2023/1/28 Ｎ響

２０２３年１月２８日　　　ＮＨＫ交響楽団　　　高崎芸術劇場
指揮　　トゥガン・ソヒエフ
アミハイ・グロス（ヴィオラ）
バルトーク　　ヴィオラ協奏曲
ラヴェル　　ダフニスとクロエ第１組曲、第２組曲
ドビュッシー　　交響詩　海

Ｎ響主催のＢ定期公演と同じプログラムで、元々はサントリーホールに行くつもりだったが、ちょっと趣を変えて、群馬の高崎に行ってみようと思い付いた。２０１９年に開館したこのホール、まだ一度も訪れたことが無かったのだ。
私は埼玉の民。高崎という土地に対し、それほどの遠方距離感を抱いていない。それどころか、新幹線を利用すれば、大宮からたったの３０分である。

今回はフランス物をメインとしたプログラム。
ソヒエフがＮ響を振った公演で私がこれまでに聴いてきたのは、比較的ロシア物が多かった。だが、彼がトゥールーズ・キャピタル管を率いて、フランスでの基盤を築いていたことは周知の事実。先週のＡ定期公演のチャイコも実に素晴らしかったし、期待に溢れた演奏会だ。

まず、アミハイ・グロス。イスラエル出身のベルリン・フィルのヴィオラ首席奏者。
ベルリン・フィルの首席連中というのは、どいつもこいつも皆ソリスト級に上手いが、グロスもしかり。いやー、すごい。
音が大きくて鋭く、それでいて明るい。一音一音がしっかりと鳴り、曇った音色が見当たらない。なんだか「縁の下の力持ちで、どちらかというと地味」というヴィオラのイメージが覆るかのような華やかさである。もうとにかく「流石！」としか言いようがない。

そして、お待ちかねのラヴェルとドビュッシー。
こっ、これは・・・
期待はしていたが、その期待を遥かに凌ぐ超絶的な演奏で、ひっくり返った。

こうしたフランス物では、とかく音を繊細かつ精巧に作り上げ、淡い色彩感と変幻さを浮かび上がらせるアプローチが多い。

だが、ソヒエフは、果敢に響きの厚みを構築させ、エネルギーの爆発と、花火のような、あるいは黄金のような華麗さを演奏に落とし込んだ。それでいて、決して重くならない。なんという絶妙なさじ加減。
いったい、どのようにしてＮ響からこのような鮮やかなゴージャスさを引き出したのだろうか。
ソヒエフはリハでいったいどんな工夫を凝らしているのだろう。
Ｎ響の方、どなたか教えて下さい。

最後に、終演後のロビーで、地元民と思われる二人の中年男性の会話が聞こえてきたので、紹介しよう。

「いやー、Ｎ響、上手いねえ。やっぱ群響と違うねえ！」
（くっくっく。それを言っちゃぁあかんけどね。Ｎ響の演奏の中でも、今回のは飛び抜けてたしさ。）

「なんか、Ｎ響の各パートのトップ奏者って、みんな国際コンクールとかで入賞しているらしいよ。」
「そりゃー、やっぱ上手いわけだよな。」
（いやいやいや　ＷＷＷＷＷＷＷ）

マスク問題

新型コロナウイルスに関する感染症法の分類として、政府は季節性インフルエンザと同等の「５類」に引き下げる検討に入った、との報道が流れている。これに伴って、マスクの取扱い、「一部の例外を除き、屋外だけでなく屋内でも着用しなくてもよい」とする見解を発表することも合わせて検討しているという。

この問題について、ネットなどでは賛否も含め、様々な意見が飛び交っているようだ。

ニュース報道などから入ってくる海外の映像を見れば、日本の景色がいかに異様であるかが分かる。
誰もマスクをしていない海外。翻って、誰もマスクを外している人がいない日本・・・。

国際的な会議や会合等で、各国の出席者のうち、プレスを含め日本人だけがマスクをしているという場違い感、違和感。つい先日、FIFAワールドカップ・カタール大会で、世界から集ったファン・サポーターたちがノーマスクで大声で応援し、歌い、騒ぎ、楽しんでいる様子を見て、「なんだ、この日本との差は！？」と驚いた人も多かったに違いない。

私は、個人の意見として、もういい加減世界スタンダードに落ち着くべきだと思っている。
一方で、たぶん急には変わらないだろうな、どうせ無理だろうな、とも思っている。

政府はもう既に「屋外においては、マスクは原則不要」と発表しているのだ。
だというのに、見よ、外の周辺を。道行く人、みんなマスクをしている。感染リスクが小さいと言われる屋外でさえこんな状況なのに、ましていわんやという感じだ。

そもそも世界スタンダードと比較しても仕方がない、という意見がある。
元々、コロナ前から、日本ではマスク着用率が高かった。風邪、インフルエンザや花粉の予防対策として、そして何よりも「人に移してはならない」というマナーとして。
裏を返せば、それだけ日本人は他人への配慮を重んじる優しい人種と言える。（他人の目を必要以上に気にし、同調圧力に弱いという情けない一面も、もちろんある）

問題は、たぶん個人の考え方の持ち様ではなく、交通機関、公共施設、飲食店などが、相も変わらず繰り返し要請している感染予防対策の呼びかけを潔く下ろすことが出来るか、だろう。いくら政府が一般個人に対して「マスク不要」と呼びかけても、現実的に施設や場所を管轄する側が着用を求めているのだから、今はどうしようもないのだ。

理由は単純。誰も責任を取りたくないし、批判されるのが怖いから。だから必死に「うちはちゃんとやってます」アピールを続けるのだ。アホらしいのう。

結論。
マスクをするかしないかは、個人一人一人が判断すればいい。一人一人の判断に他人が白い目を向けてはいけないし、政府がいちいち介入する必要もない。交通機関、公共施設、飲食店なども、個人の判断を尊重する。そして、各個人は万が一感染したとしても、人のせいにしない。

私個人としては、マスク問題よりもコンサート会場での過剰とも言える感染対策、そっちの方マジいい加減にしてほしい。

鑑賞中の常時マスク着用
誰も喋らず黙って聴くクラシックコンサートにおいて、いったいどれほどの感染リスクがあるというのか。科学的見地示してみろって。

終演後の分散退場
くだらねえ。私はこの悪しき対策が施されて以降、カーテンコールの途中でそそくさと退散するようになった。（以前は「参賀」と呼ばれる指揮者単独のカーテンコールまで居残り、その感動的なシーンを目に焼き付けていた。）

クロークの閉鎖
だーかーらー、感染リスクにおける科学的見地示せって。

ブラヴォー禁止
聴衆の熱狂は沸き起こらず、コンサートは実に味気なくなった。このままでは、世界で日本だけ美しき慣習が消えていくことになる。
おいコラ、ホール責任者とコンサート主催者、それでいいのか？

2023/1/22 ベルカント・オペラ・フェスティバル・イン・ジャパン

２０２３年１月２２日　　　ベルカント・オペラ・フェスティバル・イン・ジャパン　　　テアトロ・ジーリオ・ショウワ
ロッシーニ　　オテロ
指揮　　イヴァン・ロペス・レイノーソ
演出　　ルイス・エルネスト・ドーニャス
管弦楽　　ザ・オペラ・バンド
合唱　　藤原歌劇団
ジョン・オズボーン（オテロ）、レオノール・ボニッジャ（デズデモナ）、ミケーレ・アンジェリーニ（ロドリーゴ）、アントニオ・マンドリッロ（イヤーゴ）、トーニ・ネジチュ（エルミーロ）　　　他

藤原歌劇団の公演を主催する日本オペラ振興会が立ち上げたベルカント・オペラ・フェスティバル。イタリアのヴァッレ・ディトリア音楽祭（マルティナ・フランカ）と提携し、今年で５回目を迎えるという。

このフェスティバルのことは、いちおう名前だけ知っていたものの、これまで足を運んだことは一度も無かった。
なぜなら、このフェスティバルがこれまで採り上げてきた演目は、どれもこれもマイナーな作品ばかり。「聴いたこともない、作曲者の名前さえ知らない、予習も出来ない、今後もまず聴く機会は無い」みたいなレア物は、はっきり言って私はまったく興味がないんでね。

もっとも、「ヴァッレ・ディトリア音楽祭と提携する」ということは、つまりそういうことになる。これが伝統ある音楽祭の尖ったポリシーだからだ。
（世界遺産で有名な観光地アルベロベッロに近いマルティナ・フランカで開催されるこの音楽祭は、私も「いつか行ってみたい」と思っている憧れのフェスティバルの一つだが、その上演プログラムを眺めては毎度閉口し、二の足を踏んでしまう。）

その近づき難いほどマニアックなフェスティバルが、今年はなんとロッシーニの名作セリアを上演するという。しかも、「最高のロッシーニ歌手の一人」と名高いＪ・オズボーンがキャストに名を連ねた。
チャンスの到来。
日頃より「日本では一部の作品を除きロッシーニの良質作品を観ることが出来ない」と嘆き、そして諦めている私にとって、これは絶対に逃してはいけない公演であった。

ロッシーニ上演で成功に欠かせないもの。
これはもう、一にも二にも「歌手」である。それに尽きる。絶対と言ってもいい。
日本で一部を除きロッシーニの良質作品を観ることが出来ないのは、作品の知名度や人気度の問題という面もあるが、「それだけの良質な歌手を揃えることが極めて難しいから」というのが、まことしやかに囁かれる定説だ。
その点今回は、主要キャストがオズボーンを始めとする海外組でバッチリ揃った。「外国人歌手だから」と、あっちの人を盲目的に礼賛するつもりはないが、でも申し訳ないけどやっぱり技術が違う。イタリアの著名音楽祭と提携したからこそ実現したこのハイレベルなキャストは、諸手を挙げて歓迎したい。

かくして「欠かせないもの」が揃った。ということは、すなわち成功は確約されたも同然。しかも「特大二重丸」付き。

日本でこれほどレベルの高いロッシーニを聴くことが出来たのは、いったいいつ以来だろう・・。久しく記憶がない。もしかしたら２００８年に来日した御本家「ロッシーニ・オペラ・フェスティバル」以来かもしれない。
てことは、１５年ぶりということか。感慨深い。

名歌手たちの饗宴。息を呑むほどのアジリタ、強烈な超高音アクート。なんという凄さ・・・。
私は心の中で叫んでいた。
「これなんだよ！　ホンモノってこれなんだよ！　これがロッシーニなんだよ！　オレはこれを聴きたかったんだよ！」

オズボーンはさすがだった。世界最高のロッシーニ歌いの格を存分に見せつけ、会場に熱狂が渦巻いた。コロナによる自粛がなかったら、大ブラヴォーの雨あられとなったことだろう。
だが、決して一人舞台だったわけではなく、ロドリーゴのアンジェリーニも、デズデモナのボニッジャも素晴らしかった。
（些細なツッコミで申し訳ないが、プログラムに掲載されていたオズボーンのプロフィールに「今回が初来日」と書いてあるが、彼は２０１４年リヨン国立歌劇場の来日公演「ホフマン物語」ホフマン役で既に来日している。）

演出についてはほとんど期待していなかったが、ちゃんと演出家の意図しているものが見つけられて、なかなか面白かった。
鍵となっている道具があって、それはロープなのだが、良い物に目を付けたな、という感じ。
ロープというのは、変幻自在の万能具。絡み付いて解けない苦しみであったり、運命から逃れられない縛りであったり、緊迫するテンションであったりする。関係を隔てる柵になり、極めつけは首を締め付ける殺人道具になる。
舞台の進行や登場人物の心情に合わせ、このロープを意味有りげに使っていて、とても効果的だった。

2023/1/21 Ｎ響 Ｃ定期

２０２３年１月２１日　　　ＮＨＫ交響楽団　Ｃ定期演奏会　　　ＮＨＫホール
指揮　　トゥガン・ソヒエフ
ラフマニノフ　　交響詩　岩
チャイコフスキー　　交響曲第１番

こうしてソヒエフが３年ぶりに来日し、彼が指揮する公演に足を運ぶことが出来て、本当に嬉しい。

この間、コロナがあり、そしてロシアが仕掛けた戦争があり、情勢は非常に厳しかった。今でもスポーツ界ではロシア選手を締め出している状況が一部見受けられるし、全般的な雪解けの兆しは見えない。
だが、クラシック界においては、個人に対する受入れは徐々に緩和の傾向だ。
こうしてＡ・ネトレプコ、Ｄ・トリフォノフ、Ｙ・アヴデーエワ、Ｖ・フェドセーエフらが日本にやって来る。ソヒエフもその中の一人というわけである。

さて、今回であるが、プログラムがやや地味だし、そもそもＣ定期は休憩なしの１時間ちょいなので、物足りなさが残るかと思いきや、いやいやとんでもない、超絶品の名演であった。

音楽作りがとにかく精妙。楽曲全体の見通しが完璧なくらいに冴えている。
おそらく、ソヒエフは耳が抜群に良いんだと思う。だから細部にわたってバランスの良い響きを構築出来るのだ。

Ｎ響の反応力、瞬発力も、もうピッカピカ。
彼らは分かっている。指揮者が超が付くくらい有能であることを。だから、全神経を張り巡らせて、タクトに食らいついている。名演はもはや必然なりということ。

Ｎ響は、強力なパートナーシップで結ばれた指揮者を毎年定期的に招聘している。
１０月はブロムシュテット。そして、１月はソヒエフ。発表された２０２３－２４シーズンにも、きちんと両名の名前が掲載されている。ソヒエフは、Ｎ響にとって、それだけ重要な指揮者だということ。それは、この日の演奏を聴いただけで、チャイコ１番のたった４５分の演奏を聴いただけで、十分に認識することが出来る。

巨匠たちの健康不安

巨匠演奏家たち、我ら愛好家が崇拝する神々が、健康不安に見舞われている。
バレンボイムがベルリン州立歌劇場のＧＭＤ（音楽総監督）の職を辞する発表に関する記事をつい先日書いたばかりだが、今度は、マルタ・アルゲリッチが今後の活動をキャンセル。その前に、マウリツィオ・ポリーニがやはり公演をキャンセルし、活動を休止している。二人とも、心臓疾患が原因と言われる。

三人とも同世代、ほぼ同い年と言っていい。揃って８０歳を越えているのだ。年を取れば、病気に見舞われる。「生涯元気溌剌」というわけにはいかないのである。
ところが、愛好家というのはいい気なもんで、バリバリで快活な彼らのイメージしか持ち合わせていない。「病気でキャンセル」というニュースに接すると、「え？　うそ！？」と思い、「早く元気になって、また復活して、素晴らしい演奏を披露してよね」と勝手気ままに願う。

巨匠演奏家たちだって、そりゃ復活して、また素晴らしい演奏を披露したいだろう。
だが、彼ら自身が「全盛期とのギャップ」「世界最高に値する演奏を提供できない」という自覚に直面し、悩み、苦しむのだ。
例えどんな演奏であろうと、仮にも衰えが顕著であろうと、それを支持してくれる熱狂的ファンは、きっと少なからず存在する。
一方で、全盛期と比較し、「ああ、衰えちゃったね。もうダメだね。」などと後ろ指をさす心無い輩だって、きっと多数いる。
巨匠たちも人間。年を重ねながら、そうした容赦ない批評と戦い続けなければならないのは、それが宿命とはいえ、我々の想像を絶する苦悩であるに違いない。

でも・・。
私は言いたい。「大丈夫だよ」と。
彼らは、燦然と輝く録音、歴史的名盤を数多く残している。それがあり続ける限り、彼らは「永久に不滅」なのだ。
だから、過敏な責任感に苛まれることなく、引き際の美学も頭に入れながら、闘病に専念し、穏やかで健やかな生活を送って欲しい。

前回のバレンボイムの記事で、「小澤征爾の名を冠したフェスティバルこそ、明日は我が身」と書いた。

そういや、同じく巨匠の名を冠したフェスティバルが、大分別府にありますな。
当然、今年も開催するつもりだろうし、さぞや気を揉んでいることだろう。

バレンボイム

バレンボイムがベルリン州立歌劇場のＧＭＤ（音楽総監督）の職を辞するという発表が報じられた。年末年始にベルリン・シュターツカペレと第九を演奏し、また、つい先日のベルリン・フィル公演でも指揮を担い、協奏曲のソロを務めたアルゲリッチとはアンコールでデュオ曲を披露するなど、復活の兆しを見せていた。「お！　これはもしかして良い傾向か！？」と思っていた矢先だっただけに、少々残念なニュースである。私は奇跡の復活を期待し、それを信じていたからだ。

もっとも、完全引退を発表したわけではない。辞任したのは歌劇場の音楽監督だけで、シュターツカペレ・ベルリンとの結び付きは、本人的にはどうやら継続したい意向だとされる。

歌劇場の音楽監督とは、それだけハードな仕事なのだろう。
上演演目の制作に責任を持ち、歌手を選んでリハを行い、舞台と音楽のバランスを調整するため演出家と協議し、長時間ピットに籠もって演奏を支える。自分が振らない公演でも、演目や指揮者の決定に責任を持つ。
何だかいかにも大変そうだよな。

私自身にとって、バレンボイム＆シュターツオーパーは、特にワーグナー上演において理想郷と呼べるものだった。まだバイロイト詣でが叶わぬ遠き夢だった頃。そんな時でも、私には「ベルリン」という目指すべき場所が見つかっていた。そこに行けば、最高のワーグナーが保証されていた。
特に「パルジファル」は、バレンボイムこそ、この作品について開眼させてくれた我が師である。
日本でもコンサート形式上演で演奏してくれたが、私は現地で本格舞台上演を三度鑑賞した。その貴重な体験は、間違いなく生涯における千載一遇の幸運だったと言えるだろう。

シュターツオーパーにとっては大きな痛手に違いない。バレンボイムは看板だった。劇場のレベル、知名度を飛躍的に高めた彼の貢献、功績は計り知れない。

一方で、もしかしたらそれほど心配をする必要もないのかもしれない。
シュターツオーパーなら、きっと有能な後任指揮者を見つけてくることだろう。それだけの格を装備する一流劇場だ。

むしろ心配なのは、存在自体が完全にバレンボイムに依存しているウェスト・イースタン・ディヴァン・オーケストラかもしれない。一人の絶対的カリスマの名の下に集結している団体だけに、カリスマを失った瞬間、存続が危ぶまれることになりかねない。
アーノンクールが率いていたウィーン・コンツェントゥス・ムジクスのように・・・。

日本だって他人事、対岸の火事ではないぞ。小澤征爾の名を冠したフェスティバルこそ、明日は我が身だ。
近い将来のこと、ちゃんと考えているのだろうか。
「そんなこと、考えたくもない」が、さしあたっての本音じゃねえの？？

2023/1/7 読響

２０２３年１月７日　　　読売日本交響楽団　　　東京芸術劇場
指揮　　山田和樹
イーヴォ・ポゴレリチ（ピアノ）
チャイコフスキー　　組曲「眠りの森の美女」よりワルツ
ラフマニノフ　　ピアノ協奏曲第２番
チャイコフスキー　　マンフレッド交響曲

２０２３年最初のコンサート。ポゴレリッチのコンチェルトに期待をしてチケットを買った公演だ。

当初に発表された予定演目は、プロコフィエフのピアノ協奏曲第３番だった。それがラフマニノフに変わってしまった。
プロコの３番は、１９８３年、世界に衝撃を与えたショパンコンクールの「ポゴレリッチ事件」から３年後、初めて日本にやってきて、その時に演奏した作品である。４０年ぶりにまたプロコを聴きたかったが変更となり、代わりとなった作品が２０１６年にも演奏されたラフマニノフの２番（その時も同じく読響）になってしまったのだから、個人的には残念、がっかりとしか言いようがない。

こういう時、本人にしても、読響にしても、「そういや前回もラフマニノフだったよな・・」と気が付いたり、あるいは指摘したりしないのだろうか。
それとも、言われるまでもなく指摘したが、ポゴレリッチの強い要望によって従わざるを得ず、結局これになってしまった、ということだろうか。

ポゴレリッチの場合、レパートリーがかなり限定されているため、その可能性は大いにある。そうであれば仕方がない。来日回数はそれなりに多いが、演奏作品はパターン化され、何度も繰り返されている。演奏は強烈だが、プログラムに関しては、はっきり言って新鮮味に欠ける。

そうしたプログラミングにおける演奏者の考え、ポリシーというのは、我々聴き手側にはどうしようもなく、まったく分からん範疇だ。「飽きないの？」「新たな境地に向かわないの？」などと言いたくなるが、真意は演奏者しか持ち合わせないわけである。

それでも「まあ、いいか・・・」と矛を収め、納得出来てしまうのは、唯一無二、ポゴレリッチしかなし得ない孤高のラフマニノフ、唖然とするような演奏が聴けるからだ。
前回の２０１６年の演奏も、そうだった。こんなラフマニノフ、聴いたことない。
それは、あたかもポゴレリッチから「あなたが耳に馴染んでいる既存のラフマニノフは、本当にそうなのですか？」と突き付けられる、不意をついた疑問符のようなもの。表だけを見ている我々に、堂々と裏を見せつける尊大さ、ふてぶてしさ。

こうした時、難しい舵取りを強いられるのが指揮者なわけだが、山田和樹は抜群の捌きだった。ピアノソロが突き抜けているのに、全体としてまとまっている。何度も上下に揺れ動きがあるが、目線は一定している。

私は、そこに山田和樹氏の指揮者としての余裕と貫禄を見つけた。てっきりまだまだ若手の俊英だと思っていたが、もう既に堅実なマエストロに差し掛かっているではないか。

そして、その発見は、メインのマンフレッドを聴いてますます確信を抱くようになる。
音楽を流麗にリードしながら、タクトで指揮者自身が引っ張るところ、作品に語らせるところ、オーケストラの演奏に語らせるところを、絶妙に配置している。完成度は高く、総じて安定していた。

これから先も、経験を積んでいきながら、ますます本格化の道を進んでいくことだろう。
願わくば、無難、器用、堅実に収まらず、時に既成概念を突き抜くような異次元の境地にまで達してほしい。
例えば、そう、この日のソリストのように・・。