クラシック、オペラの粋を極める!

海外旅行はオペラが優先、コンサートが優先、観光二の次

2024/2/25 東京フィル

2024年2月25日   東京フィルハーモニー交響楽団   オーチャードホール
指揮  チョン・ミョンフン
ベートーヴェン   交響曲第6番 田園
ストラヴィンスキー   春の祭典

 

先日、暗譜の必要性について記事を書いた。「あえて、わざわざ『暗譜する』という作業を行って、公演に臨む」その必要性について、疑問を呈したわけである。

本公演でチョン・ミョンフンは、ベートーヴェンストラヴィンスキーも、暗譜で指揮を行った。
いささかの揺るぎもない確信のタクトを見て、思った。
彼の場合、「一生懸命覚えました」ではなく、長年に渡って作品に取り組み、スコアを見続け、公演を重ねてきたその積み上げの経験によって、もう頭の中に完璧に入っちゃったんだろうな、と。
であるならば、目線を下げて楽譜を見たり、その楽譜のページをめくったり、という作業そのものが不要であり、むしろ煩わしい。
おそらく、そういうことではなかろうか。

まあそれくらい自信満々、完全に確立された完成品、理想形の演奏であった。


「田園」と「春の祭典」。
時代も作風もまったく異なる両作品だが、「表題」と「情景の描写」というところで共通点がある。
指揮者によっては、アプローチとして、そうした「イメージ」を元に音楽を作っていく人もいるだろうし、実際、演奏を聴いて情景を思わず想起したという自分の鑑賞体験も数多い。

だが、チョン氏の音楽を聴いて、まったく異なったメッセージを受け取ることとなり、実に興味深かった。

「イメージ」や「景色」、「テーマ」といったものが見えてこないのだ。

「田園」で見えてきたのは、「交響曲としての様式」であった。
古典主義の造形をきっちりと守る。無駄な装飾やニュアンスを削ぎ落とし、基本に立ち返る。
浮かび上がったのは、ベートーヴェンらしいクラシカルなフォルムだった。

一方のストラヴィンスキーでは、「スコアという剥き出しの素材」だった。
曲想の表現ではなく、音符のさらけ出し。
浮かび上がったのは、原色、天然素地の美しさと荒々しさ。

あくまでも想像だが、私には、指揮者が楽員に対し「楽譜に書いてあるとおり、シンプルに音を出してくれ。あとは私がストラヴィンスキーの形にする!」と指示しているかのように見えた。


チョン・ミョンフンが東京フィルを振ると「オケの音が変わる」というのは、よく言われることである。
その秘密の一端が本公演で垣間見えた気がして、思わず震えた。


ところで、暗譜の話に戻るが、チョン・ミョンフンは次回、6月の定期公演で、メシアン作の「トゥランガリーラ交響曲」を採り上げる。

この珍しくて難解な作品、普通の指揮者がもし暗譜で振ろうとしたら、それこそ上に書いたように、わざわざ『暗譜する』という作業を行うために、相当の勉強の時間を取られるはずである。

だが、チョンはメシアンと直々の交流があった。愛弟子と言ってもいい。彼は「トゥランガリーラ」を録音しているが、その際にもメシアンは現場に立ち会っているのだ。

ということで、6月の公演、果たしてどんな指揮を見せてくれるのだろうか。暗譜で臨むのかを含め、これは楽しみである。

2024/2/23 都響

2024年2月23日   東京都交響楽団   東京芸術劇場
指揮  エリアフ・インバル
マーラー  交響曲第10番 デリック・クック補筆版

 

都響とインバル、3回目のマーラー・チクルスに挑戦するんだって。
((((;゚Д゚))))

大丈夫? 最後まで持つの?
という心配はとりあえず置いておき、その一発目が、なんと、第10番クック版。
それから始めるか!?
まさか、10、9、8・・・と遡っていく?

まあいい。とにかく10番クック版である。
前回2014年7月、2回目チクルスの最後として採り上げたこの作品の鑑賞は、それはそれはもう、筆舌に尽くしがたい、超弩級の体験だった。

2014/7/20 都響 - クラシック、オペラの粋を極める! (hatenablog.com)

改めて読み返してみたが、我ながらの文章であるにも関わらず、並々ならぬ衝撃の大きさが蘇った。

で、10年の歳月を経て今回の公演になるわけだが、こういう時、「あの感動をもう一度!」などと渇望すると、大抵ろくなことはない。期待値が膨れ上がり、想像していたものとは異なる結果を目の当たりにして、「あれ? こんなだったっけ?? いや違うなー」となるのが、よくあるパターンなのだ。


昔と比較せず、今の自分が見つめたインバル&都響のマラ10は、やはり超一級の完成品だった。

作品そのものが蓄えるパワーが大きいというのもあるが、音楽は宇宙へと解き放たれ、終始一貫して透徹、峻厳に満ち、陰影に溢れていた。
都響の卓越した技術と集中力により、緊密度の高い演奏が繰り広げられ、聴衆は釘付けになった。

かつて、凄まじいほどの気迫で熱量を放出していた指揮者インバルは、今、大いなる思索をもって、この作品がいかに現代、この世と結び付くのかについて探ろうとしていた。


素晴らしい演奏だったが、だからといって10年前の超絶体験、「あの感動をもう一度!」を得ることが出来たのか、と言えば、それはやはりそうならない。

期待値が高かったから、ではない。
10年という年月の経過により、インバルの音楽性に変化が見えるのと同様に、聴き手である私も、音楽の受け止め方が変わってきているからだ。
懐の許容量は増した一方で、敏感さや感傷性といったものが、きっと薄まっている。
でも、要するにそれが人生ってやつだ。


この日は、ヴィオラの特任首席奏者、店村眞積さんのラスト・ステージだった。
読響、N響、水戸室内管、サイトウ・キネン、そして都響の首席を渡り歩いた、日本のヴィオラのレジェンド。
おそらく店村さんだって、これまでに数多くの伝説的な公演に身を置きながら、自身の音楽性の変化を受け止め、歳月をひしひしと実感しているのではないだろうか。

暗譜って、必要なのか

小澤征爾氏が逝去されてから、2週間くらいが経過した。名指揮者の訃報に、世界中からお悔やみのコメントが今も後を絶たない。
そうしたコメントの中には、世界のマエストロらしく、彼と共演した一流の演奏家たちから寄せられた物も少なくなく、いかに偉大な音楽家であったかについて一様に賛辞しながら、故人を惜しんでいる。

そんな故人を偲ぶエピソードとして頻繁に目に止まるのが、概ね次の3つ。

「人柄が大変素晴らしかった」というもの、「情熱的でエレガントで、分かりやすいタクト」というもの、そして加えてもう一つ、「信じられないことに、あの時あの作品を彼は暗譜で振り、完璧に手中に収めていて・・・」という驚嘆である。


ここで私は思わず苦笑してしまう。不謹慎かもしれないけど。

「褒め称えられているのは、作品の解釈や表現力の秀逸さ、じゃないんだね(笑)」

亡くなった人を悪く言うつもりはないが、そこらへんがやっぱり「小澤征爾たる所以」だと思ってしまった。


で、本記事のタイトルなわけだが、「暗譜って、そもそも必要なのか」という素朴な疑問である。

原点に立ち返って、考えてみる。
指揮者の役割って、何??

「拍子を取り、音楽を進行させる。」  そうだねえ。
「オーケストラをまとめ上げ、一つの方向に向かわせる。」  うんうん、そうそう。

でも、現代のクラシック音楽界において最も大切な指揮者の役割は、次のことではないだろうか。

「スコアを読み込み、作曲家と対話しながら、作品を解釈し、核心を捉え、音に命を吹き込み、魂を宿らせて、聴いている人の心を揺さぶる」

こうした究極の役割の過程で、暗譜って本当に必要なのだろうか?

「暗譜する」ということは、すなわち「スコアを覚える作業」である。
当然、時間がかかるだろう。
その時間、もったいなくないですか?
そんな時間があったら、作品を解釈し、核心を捉える作業に、より没頭した方がいいんじゃないですか?


暗譜の指揮者を見ると、特に難解そうな作品を暗譜で振ると、それだけでなんとなく単純に感心してしまう自分がいる。
「おー、暗譜じゃん、すげー」みたいな。

まさか、指揮者の魂胆で、「わたくし、スコアが頭に入ってるザマス。どうだ、すげーだろ」みたいなひけらかしを狙っている、などということは、そんなことは無いとは思うけどさ・・。


一方で、こういう見方、考え方があるのかもしれない。
「暗譜をすれば、よりオーケストラとの対話に神経を集中させることが出来る。」
「スコアを徹底的に勉強し、完璧に叩き込んで手中に収めたその果てに、作品を楽譜から解き放つ『自由』の権利を手に入れることが出来る。この自由こそ、演奏の生命力の源泉である。」


つまり、そういうことなんでしょうか?? 暗譜をする指揮者の皆さん。

2024/2/18 マキシム・ミロノフ テノール・リサイタル

2024年2月18日   マキシム・ミロノフ テノール・リサイタル   浜離宮朝日ホール
マキシム・ミロノフ(テノール)、ジュリオ・ザッパ(ピアノ)
ロッシーニ  「ブルスキーノ氏」、「アルジェのイタリア女」、「セヴィリアの理髪師」よりアリア、歌曲集
ベッリーニ  歌曲集
モーツァルト  「魔笛」、「コシ・ファン・トゥッテ」よりアリア
ドニゼッティ  「ランメルモールのルチア」よりアリア

 

ベルカント・オペラの貴公子、いざ東京に降臨。

マキシム・ミロノフ。ロシア出身だが、ロッシーニドニゼッティベッリーニなどを主要レパートリーとして活躍するテノールだ。日本にも度々来日して藤原や新国立に出演しており、お馴染み。ファンも多いのではなかろうか。カッコいいしな。

私自身は、彼が出演したオペラをこれまでに3回鑑賞しているが、本格的なリサイタルは今回が初めてだ。

そんなわけで、お得意のベル・カント物で見事な歌声を披露し、お客さんを大いに沸かせた。

配布プログラムに紹介記事を寄稿した評論家:香原斗志氏によれば、「世界一優美なテノール」なんだとさ。
まあさすがに世界一というのは褒めすぎにしても、「優美」という形容には頷ける。柔らかくて優しい声。極上の堪能とはこの事也。時おり織り交ぜる高音のファルセットも、とろけるように甘い。


プログラムにイタリア物がズラリと並ぶ中、モーツァルトの「魔笛」タミーノのアリアがドイツ語で、この瞬間、はっきりくっきりとニュアンスが変わったのが、面白かった。
また、アンコールで歌った、北原白秋作詞・山田耕筰作曲の「この道」は、じ~んと染みた。
日本語なのでさすがに譜面を見ながらだったが、日本語特有の母音・子音の扱いは違和感がなく、お見事だった。


それにしても・・・。
本公演のS席のお値段1万円。
6月来日のロベルト・アラーニャのS席のお値段2万9千円。

アラーニャの方、いくらオケ伴奏付きとはいえ、この差は何??
たしかミロノフって「世界一優美」なんでしたよね? 香原センセ??

2024/2/17 東京芸術劇場コンサートオペラ

2024年2月17日   東京芸術劇場コンサートオペラ vol.9
オッフェンバック  美しきエレーヌ(コンサート形式上演)
指揮  辻博之
台本・構成演出  佐藤美晴
管弦楽  ザ・オペラ・バンド
合唱  ザ・オペラ・クワイ
語り  土屋神葉
砂川涼子(エレーヌ)、工藤和真(パリス)、濱松孝行(メネラス)、晴雅彦(アガメムノン)、藤木大地(オレステス)、伊藤貴之(カルカス)   他

 

数あるオッフェンバック作品の中で、特に有名で上演の機会も多いのは、「ホフマン物語」であろう。それに続くのは「地獄のオルフェ」か。
だが、私が一番好きなのは、「美しきエレーヌ」だ。とにかく、全体を通して旋律が優しく、美しく、そして何と言っても楽しい。こんなにウキウキする曲は、そうはない。

この作品に出会ったのは、2003年。
12月にパリ・シャトレ座で行われた上演を現地鑑賞したのだが、これがもうとにかく悶絶級の絶品だった。
M・ミンコフスキー指揮、ルーヴル宮音楽隊の演奏。演出はロラン・ペリー。フェリシティ・ロットやローラン・ナウリなどが出演。収録映像にもなっており、ご覧になった方もいるかもしれない。

しかし、それ以後は鑑賞の機会がなく、ようやく20年ぶりに聴くことが出来た。本当に嬉しいかぎり。


今回は、いちおうコンサート形式上演だが、照明を駆使し、出演者は衣装を付け、ちょっとした演技も折り込む。
更に、物語を進行させる役目の「語り」として、役者さんを起用。ステージを盛り上げた。
オリジナルだと登場人物一人一人がセリフを語らなければならず、これだと歌手の負担となろう。妥協の産物でありながら、上演のコスパ的にもベストのアイデアだと思う。
こうした全体の構成を担ったのは、昨年10月、鈴木優人プロデュースオペラ「ジュリオ・チェーザレ」の上演を手掛け、コンサート形式オペラの一つの方向性を示した演出家:佐藤美晴さんだ。

一つ残念だったのは、多くの出演歌手が譜面台を使用し、楽譜を見ながら歌っていたため、どうしても演技が中途半端で、堅苦しくなってしまうことだった。
まあ、仕方がないといえば仕方がない。たったの1公演のみのコンサート形式上演で、暗譜による本格演技を求めるのは、無理な相談ということであろう。


歌手の中では、パリス役の工藤さんが好印象。
公演の顔にもなっているエレーヌ役の砂川さんは、悪いはずもなく、かといって特筆すべきという感じでもなく、いつもどおり。仕草が可愛い。ファンも多いと聞く。森麻季さんと同じく、見た目でも得をしている。

想像を越えて良かったのは、辻博之指揮のザ・オペラ・バンドと合唱のザ・オペラ・クワイアの演奏だったが、その「良かった」と思えた源泉が多分にオッフェンバックの音楽の功績という見方を、どうしても否定できない。彼らが素材の良さを最大限に引き出したということであれば、それなら大いに評価出来る。

もうね、とにかく作品。これに尽きる。「美しきエレーヌ」万歳。
さて。またミンコ&シャトレ座のDVD、見なくちゃ。

T・スウィフトのライブを通じて垣間見えたクラシックとの大きな相違点

アメリカン・フットボールの最高峰NFLは、先日ラスベガスで開催された第58回スーパーボウルをもって、2023-24シーズンの幕を閉じた。

プレーオフを勝ち上がった2つのカンファレンスのチャンピオンが戦う決勝戦スーパーボウルこそ、全米ナンバーワンのスポーツの祭典。
日本では大谷翔平のキャンプインの一挙手一投足を連日報じているが、そんなものはスーパーボウルに比べれば、箸にも棒にも引っかからないローカル記事のようなもの。人気、注目度の度合いが完全に別次元なのだ。

試合自体は、激戦の末、カンザスシティ・チーフスが見事に優勝。昨年に続いて二連覇を達成したのだが、実は今回、試合とはまったく別の話題が大きく取り上げられ、現地で盛り上がっていた。

アメリカだけでなく世界中の若者が熱狂し、もはや“社会現象”とまで言われるスーパースター歌姫、テイラー・スウィフト
彼女のボーイフレンドが、KC・チーフスの選手(トラヴィス・ケルシー)ということで、スタジアムのVIP席でチーフスと彼氏を応援する姿が、中継映像に何度も捉えられていたからだ。

このスーパーボウルの直前、彼女は来日ツアーを果たし、7日(水)から10日(土)までの4日間で約22万人の日本のファンを熱狂させるライブを敢行。東京での一連の公演終了後、速攻ダッシュでプライベート・ジェットでアメリカに帰国し、日曜日の試合に駆けつけたという早わざも、日米の双方で騒がれていた。

こうしたテイラー効果のおかげなのか、アメリカ国内でのスーパーボウル生放送視聴者数は、過去最多を記録したらしい。


そのテイラー・スウィフト
クラシック音楽しか聴かず、ロックやポップスにほとんど興味がない私でも、お名前とご尊顔はちゃんと知っている。グラミー賞を何度も受賞し、「タイム」誌が選定する「パーソン・オブ・ザ・イヤー 2023」にも選ばれた。経済効果や社会的影響力は図りしれず、万が一政治的な発言をした場合は、アメリカ大統領選挙さえも揺るがすとまで噂されている。


今回、上に書いたとおり、スーパーボウルで大きな話題になっていたことや、直前に日本で旋風を巻き起こしたこともあって、私もつい「どれどれ、どんなもんじゃい?」と関心を掻き立てられ、You Tubeで検索し、映像を観てしまった。
その結果、実に興味深い点を見つけることが出来たのである。
それは、タイトルに挙げたとおり、クラシックのリサイタルやオペラの公演との大きな相違点であった。


まず、You Tubeには、今回の来日公演、東京ドームのライブの様子が、何本もアップされていた。
これらは公式映像ではなく、ほとんどが観客がスマホなどで私的に撮影したもの。これがまず、第一のびっくり。

おいおい、いいのかよ、撮っちゃって。

クラシックのコンサートだと、「録音、録画、写真撮影は、固くお断りします」というアナウンスが入り、こうした行為を行っている人が見つかったら、係の人がすっ飛んでくるだろう。

映像を眺めると、「何人かがこっそりと・・」なんてものではなく、大勢の観客がみんな堂々とスマホをステージに向け、録画をやっちゃってる。

本当なら違法違反なのだろうけど、もう取り締まり、制御は不可能なんだろうね。どうやっても無理。完全にお手上げなのだろう。


ライブが始まると、ボルテージは一気に最高潮になり、観客は総立ち。彼らは、おそらくずっと立ちっぱなし。聴くんじゃなくて、一緒に歌い、踊り、手を振り、叫ぶ。これがライブの楽しみ方であり、醍醐味。彼らなりにパフォーマンスに参加しているわけだね。こうした観客の行為は、ライブの盛り上がりに一役買っている。

そして、録画や撮影のため、手を高く伸ばしてスマホをステージに向ける。
応援ための手作り横断幕を高く掲げる人もいるし、ひどいと、座席の椅子の上に立つマナーの悪い人も現れるらしい。

おそらくだが、ステージをじっくり観たい人にとって、かなり視界を妨げられ、邪魔になっていると思う。
みんな、それでも構わないのだろうか。

クラシックでは、前傾姿勢での鑑賞は、マナー違反。「身を乗り出されますと、周りのお客様の御迷惑になりますので、背もたれに背中を付けてご鑑賞ください。」という注意アナウンスが、多くの会場で入る。
それでも前かがみになると、後ろの人から怒られることもある。

ロックやポップスの大物アーティストの場合、ステージ上の特設スクリーンや、オーロラ・ヴィジョンがあり、そこに映し出されるので、ある程度はそれを見て「良し」としているのかもしれない。多少の視界の妨げよりも、一緒に歌って踊って、の方が重要だったりして。


スウィフトが、3時間半、歌って踊っておよそ40曲を披露したというのも、アンビリーバブルだ。それを4日連続で!

ここで引き合いに出したいのは、オペラ歌手によるオケ伴奏付きのオペラ・アリアなどのリサイタル。
一曲歌うと引っ込んで、次にオーケストラ曲。再度登場して一曲歌うと、またまたオーケストラ曲。
オケ、歌、オケ、歌、歌、オケ、歌、休憩・・。後半、オケ、歌、歌、オケ、歌・・。

いったい何なんだよ! そんなに喉をいたわらなきゃいけないのかよ。

「はい、そうですけど・・・」とかあっさり言われちゃいそうだが・・・

だけどさ、あなた達、リーダー(歌曲)リサイタル、例えばシューベルトの「冬の旅」とかシューマンの「詩人の恋」とか、通しで歌うじゃんか。一作品の中にインターバル、挿入しないよね。

別にさ、オーケストラの間奏曲は不要、やっちゃいかん、とか言わない。
けどね、もうちょっと何とかならんのか!?

と、テイラー・スウィフトさんを見て、そう思いますた。

もしかして口パク入れているのか?? だから出来るのか??  公然の秘密だったりして??(笑)

いかんいかん。スウィフト・マニアに侮辱罪で訴えられてしまう。冗談です。

2024/2/11 都響

2024年2月11日   東京都交響楽団   サントリーホール
指揮  エリアフ・インバル
ブラームス  大学祝典序曲
ベートーヴェン  交響曲第8番
ドヴォルザーク  交響曲第8番


小澤征爾、享年88歳。
晩年は、音楽活動はおろか歩行さえも難しく、ほぼ要介護状態。

エリアフ・インバル、現在87歳、2月16日で88歳。
方や現役バリバリ。指揮台までスタスタと元気に歩いて登場。腕をブンブン振りまくってオーケストラを操縦し、巨大な音楽を構築・・・。

この差・・・。
人によってまちまちの天寿。神様はいったいどのようなさじ加減で天命の配分を行っているのか・・・。


さて、私はもうかれこれ30年以上、インバルの音楽と向き合っている。
(カウントしたら、小澤征爾よりもずっと多く聴いている)
かつて、噴火するマグマ、ロケットの噴射のような疾風怒濤の音楽で、有無を言わせず聴衆を圧倒してきたインバル。
近年、老匠の域に差し掛かり、やはり少しずつ変化の兆しが見える気がする。

もっとも、そのように感じたのは、この日のプログラム、ブラームスベートーヴェンドヴォルザークという作曲家の特性、持ち味の影響というのが、多分にあるかもしれない。
だが、指揮者が作品を見つめるその視点の先に、しなやかな柔軟性や、シンプルな造形、みたいなものが、確かに感じられたのだ。

永年に渡って共演してきた都響との結びつきによって、相互信頼に基づく余裕が出来上がっているというのは、間違いなく大きいはず。以前のように、厳しく引っ張ったり、力強く扇動したりしない。演奏は、絶妙な阿吽の呼吸によって構築され、相変わらず音楽の懐は大きいが、その中にも節度があり、優しさと素朴さを湛えるようになっている。
達観の境地、インバル。円熟したな、と思う。


ただし、上にも書いたように、それはこういうプログラムだったから、ということも否定できない。

今月の都響定期演奏会では、さらにバーンスタインの「カディッシュ」、マーラー交響曲第10番といった、いかにもインバルの真価が発揮されるような大作が並ぶ。

残念ながら「カディッシュ」の公演には行けないのだが、マーラーで、今度はどのようなアプローチを繰り広げるのか。
ちなみに、前回2014年7月に演奏された同プロは、空前絶後、究極の演奏体験だった。
歳月を経て、どのような演奏になるのか、どのような印象を受けるのか。
めっちゃ楽しみ。